« Être sur scène, c’est une existence extrême. »

(01/12/2012)

photo : Nikolaus Karlinsky

Angelika Kirchschlager arrive ponctuellement le lendemain matin, après le concert, pour l’interview convenue. Elle est vêtue de manière décontractée, me regarde droit dans les yeux avec gentillesse et ne ressemble guère, voire pas du tout, à la diva que nous connaissons à travers les photos de presse. Tôt le matin, presque sans maquillage, elle reste une belle femme, mais beaucoup moins voyante. Elle donne surtout l’impression d’être « down to earth », comme l’a dit le New York Times à son sujet, c’est-à-dire terre-à-terre.

Le 30 novembre 2012, Angelika Kirchschlager a donné un récital au Muziekgebouw aan ‘t IJ à Amsterdam (critique à suivre). Le lendemain matin, j’ai eu un entretien avec elle, qui a commencé par quelques questions brèves.

La beauté du son ou l’expressivité ?

L’expressivité.

Certains chanteurs aiment vraiment vocaliser, c’est-à-dire chanter des exercices, plus encore qu’étudier des chansons. Alors : chansons ou vocalises ?

Les chansons, sans aucun doute.

C’est peut-être une question superflue dans votre cas, mais pas pour tous les lecteurs : lied ou opéra ?

Lied.

A-t-il toujours été ainsi ? Votre carrière n’a pas commencé ainsi.

Bien sûr, j’ai commencé par l’opéra, presque toutes les carrières commencent par l’opéra. Dans Opera News, on aborde plutôt l’opéra que le lied.

Mais l’amour du lied a toujours été là.

Oui, j’ai toujours eu des professeurs qui me faisaient chanter des lieder. À cela s’ajoute le fait qu’à Vienne – et peut-être même dans toute l’Autriche – on est si proche de Schubert. Je pense qu’il est plus difficile pour un Italien de s’approcher de Schubert.

Les paroles ou la musique ?

Les paroles. Ce sont les paroles qui existaient avant le lied et qui ont servi de base aux compositeurs.

Schubert ou Mahler ?

Schubert.

En ce qui concerne les tempos, on a toujours le choix dans une certaine mesure. Préférez-vous alors un tempo un peu plus rapide ou un peu plus lent ?

C’est difficile. (Pensif) : Mieux vaut trop lent que trop rapide. Si je chante à un tempo trop rapide, je ne peux plus rattraper mon erreur. Mais je peux remplir un tempo trop lent d’émotion et de tension.

Et quand il s’agit vraiment du choix du tempo comme décision d’interprétation ?

Le tempo est extrêmement important. Chaque chanteur a son propre tempo, ses propres mouvements corporels et ses propres sensations, dont dépend le tempo. Je ne peux pas dire si le lent ou le rapide est préférable, cela dépend vraiment de la chanson.

Préférez-vous un public qui vous admire, mais qui n’y connaît peut-être pas grand-chose, ou un public très cultivé, mais assez critique ?

Mon public préféré est celui (réfléchit) qui écoute avec ouverture d’esprit. Ce serait bien sûr formidable si les personnes très cultivées pouvaient elles aussi écouter avec ouverture d’esprit. Ce que je ne supporte pas, c’est un public qui s’y connaît et qui est en plus critique ! C’est bien d’être critique, mais !

Partial peut-être ?

Il y a dans le public des gens qui en savent plus que moi, et je n’aime pas du tout ces donneurs de leçons. J’adore les publics qui s’y connaissent. Je trouve formidable que les gens en sachent beaucoup sur Schubert, la musique en général ou la composition de textes.

Mais c’est toujours dommage quand les connaissances empêchent de s’ouvrir et de se laisser aller. Ces personnes se privent elles-mêmes de quelque chose. Mais il y en a aussi beaucoup d’autres. J’ai fait une tournée en Autriche en juin et la plupart des spectateurs n’avaient jamais assisté à un récital ! Ce fut pour moi une expérience incroyable de les voir simplement écouter. Je suis quelqu’un qui va vers les gens et qui souhaite leur apporter quelque chose. Le chant n’est qu’un moyen de transmettre quelque chose. Il ne s’agit pas du chant en soi, ni de ce qui est juste ou faux. Le plus important, c’est que le message passe. C’était une longue réponse à une question courte. Mais c’est important (avec une légère ironie), il fallait que cela soit dit.

Encore une question sur le public : ici, aux Pays-Bas, de moins en moins de gens comprennent l’allemand, et encore moins en Angleterre et aux États-Unis. Le public des pays germanophones a la vie plus facile, il comprend beaucoup mieux ce qui est chanté. Et puis il y a aussi les gens qui regardent tout le temps le livret. Que pensez-vous de tout cela ?

Eh bien, l’idéal est bien sûr que le public parle la langue dans laquelle je chante et que je chante suffisamment clairement pour qu’il n’ait pas besoin de consulter le programme et puisse être présent à la fois acoustiquement et visuellement. Mais j’essaie aussi de chanter suffisamment clairement pour le public étranger afin que le contenu soit clair et que l’on comprenne ce qui se passe même sans les paroles. C’est maintenant un défi de faire passer le message sans que les gens soient peut-être touchés par le lien entre les paroles et la musique. Je suis encore en train d’expérimenter.

Je pense que le public aime voir sur scène des personnes vivantes ou qui s’expriment. Et puis, je pense que c’est passionnant de voir une personne qui fait quelque chose, qui s’ouvre et se montre, tout simplement. Comme au cirque. Être sur scène est une existence extrême , c’est complètement fou au fond. Quelqu’un se tient debout et sept cents personnes ou plus le regardent. Elles sont assises en bas et regardent *une* personne qui chante ou fait des acrobaties, mais qui fait toujours quelque chose qui peut aussi mal tourner. À l’opéra, c’est aussi un effort physique, quand on chante des notes aussi aiguës, surtout pour les ténors. On ne peut chanter ces notes qu’en s’abandonnant complètement. C’est en soi un processus très intime, le faire en public, ça transporte les gens, je crois. C’est pareil pour le chant ou le théâtre.

Avez-vous l’impression de vous représenter vous-même, ou êtes-vous la jeune fille près du noyer ?

Non, pas du tout. Je pense avoir développé une certaine distance.

Et qu’en est-il de l’interprétation ? Lorsque vous regardez la partition ou lisez le texte ?

Oui, bien sûr ! Je dois en fait pouvoir ressentir ces émotions à l’avance pour pouvoir ensuite les transmettre. C’est tout simplement intéressant de lire cela dans ces chansons. J’essaie de comprendre ce que le compositeur voulait. Je dois de toute façon mettre en œuvre ce que le compositeur voulait et essayer de le trouver le mieux possible en moi-même. Souvent, je ne comprends pas tout de suite pourquoi le compositeur a fait cela.

C’est pourquoi j’aime tant les chansons, parce qu’un compositeur de génie prend un poème de génie et l’interprète. J’essaie de comprendre comment le compositeur a interprété ce poème. J’ai organisé une soirée où j’ai chanté les mêmes textes de différents compositeurs. « Der König von Thule » (Le roi de Thulé), par exemple : c’est incroyable quand on compare Schubert et Liszt, il y a un monde entre les deux.

Commencez-vous par le texte ?

Oui, je lis le texte, puis je joue la chanson une fois et j’y réfléchis.

Vous vous demandez donc : pourquoi y a-t-il une noire ici, une pause là, etc.

Oui, exactement, c’est très important. Il est également important de lire les notes très attentivement. Je fais toujours exactement ce qui est écrit, car il s’avère généralement que le compositeur est beaucoup plus génial que moi. Il a de bien meilleures idées.

Oui, il y a beaucoup de passages où même les chanteurs les plus connus chantent des notes différentes de celles qui sont écrites. Si vous regardez de près, vous voyez par exemple un point sur une note, qui signifie une accentuation, comme un point d’exclamation.

Le compositeur est comme un metteur en scène. C’est en fait ce qu’il y a de plus passionnant dans tout cela. J’apprends aussi beaucoup grâce à cela. Je me dis alors : « Ah, je n’avais pas encore remarqué cela chez moi. »

Comment se passe votre collaboration avec les pianistes ? Ils ont souvent leur propre opinion, qui ne correspond peut-être pas à la vôtre.

Oui, je discute souvent et plus je chante et plus j’acquiers de l’expérience, plus je deviens têtu. Je n’aime pas renoncer à mon opinion. Mais heureusement, j’ai des accompagnateurs fantastiques comme Helmut Deutsch ou Julius Drake, qui s’opposent à moi. Sinon, je les écraserais probablement. Ils me connaissent suffisamment bien pour me convaincre. J’ai beaucoup appris à ce sujet. Comme dans la vie, il faut discuter et exprimer certaines choses pour trouver une solution. Il faut aussi faire des compromis. C’est en fait un atelier, nous apprenons tout le temps les uns des autres.

Une pianiste m’a dit un jour : « Si un chanteur laisse le pianiste déterminer le tempo, il a déjà perdu. »

Il faut discuter jusqu’à ce que tout le monde soit vraiment d’accord. Tant que ce n’est pas le cas, cela ne fonctionnera pas. Le pianiste jouera peut-être un peu plus vite, mais il ne le sentira pas. Il y a des chansons pour lesquelles je commence à discuter à chaque fois avec Helmut Deutsch. J’ai toutefois appris que certaines chansons sont tout simplement meilleures lorsqu’elles sont plus lentes et qu’il faut les étirer. Le tempo doit donc vraiment être juste. C’est une question de corps, comme le flux de la respiration. Si le tempo n’est pas juste, la respiration ne peut pas circuler.

Puisque nous parlons de respiration, faites-vous des exercices de respiration tous les jours ?

Non, en fait, je ne m’entraîne pas du tout, ha ha.

Vous n’aimez pas ça ?

Non, je ne suis pas du tout une perfectionniste. Oui, si j’avais énormément de temps, je m’entraînerais peut-être. Mais il y a des choses plus importantes dans la vie.

Il y a des chanteurs qui s’entraînent deux ou trois heures par jour.

Je ne dis pas que s’entraîner fait du mal. Cela me ferait probablement du bien de m’entraîner deux heures par jour. Mais je suis tout simplement trop fatiguée.

Peut-être que vous n’en avez tout simplement pas besoin.

Eh bien, je pense que je pourrais mieux chanter certaines choses si je savais exactement ce que je fais à chaque note. Je veille simplement à ce que la position de base de mon corps soit correcte, à ce que ma posture soit à peu près celle qu’elle devrait être, et ensuite je chante. Mais bien sûr, ce n’est pas aussi perfectionné. Je pourrais m’asseoir maintenant et retravailler en détail la soirée d’hier, note par note. Mais cela me prendrait beaucoup de temps, et je n’en ai tout simplement pas. Peut-être que l’on fait cela quand on n’a pas de famille ou quand le chant est vraiment la chose la plus importante au monde. Quand on est soprano colorature ou qu’on chante des parties extrêmes, on le fait peut-être, mais heureusement, je suis mezzo-soprano, ha ha ha. Je chante énormément et je dois m’échauffer avant chaque concert. Cela me prend aussi beaucoup de temps.

C’est donc ce que vous faites déjà.

Il me faut une à deux heures pour être vraiment échauffée.

Et plus je vieillis, moins mon corps veut se mettre en route. Il faut donc beaucoup de temps avant que mon corps soit suffisamment fort pour pouvoir vraiment fonctionner.

Et utilisez-vous des vocalises ?

Je ne sais pas trop quoi faire des vocalises. Je n’ai pas de livre à ce sujet et je n’utilise pas non plus de rituel particulier. Je fais trois petits exercices, puis je chante mes chansons. Je chante les chansons au ralenti, chaque phrase très lentement, et j’essaie de les positionner. C’est aussi une forme d’entraînement.

Gundula Janowitz a dit un jour lors d’une master class à la Schubertiade qu’il ne fallait jamais dépasser 80 % du volume. Qu’en pensez-vous ? Votre son est toujours très beau, même dans les fortissimo.

Je ne sais pas si Mme Janowitz a dit cela à cause de la beauté du son. Je pense que c’est plutôt une question de perception, de la manière dont on gère cela et dont on se présente. Mme Janowitz appartient bien sûr à une autre génération – celle de Schwarzkopf, Ludwig, Janowitz –, où l’on chantait différemment. Ils chantaient fantastiquement bien, ils s’entraînaient certainement tous les jours !

Mais avec plus de maîtrise ?

Très maîtrisées, à l’image de la mode de l’époque : tout était beau, les dames avaient de belles coiffures, on portait de jolies robes. Tout cela a simplement changé. Cela n’a rien à voir avec le fait que ce soit mieux ou moins bien, c’est simplement différent. Ne pas donner plus de 80 % de soi-même est certainement aussi une question d’hygiène vocale, afin de ne pas s’épuiser et de garder des réserves. Je ne pourrais pas faire ça. Hier, j’ai certainement donné 120 % et à la fin, j’étais complètement à bout de forces, parce que j’ai énormément chanté pendant un mois.

Comment avez-vous trouvé la salle ?

Je la trouve extrêmement agréable. Pour moi, c’est aussi important de savoir où je regarde. Cela fait une différence si je fixe un trou noir ou si les murs sont éclairés par derrière. C’est aussi très agréable pour moi.

Plus agréable que la petite salle du Concertgebouw ?

Cela fait longtemps que je n’ai pas chanté dans la petite salle. C’est très différent. Je ne me souviens même plus de l’acoustique. Mais c’est différent, on a plus de contact avec le public dans la petite salle. D’une manière générale, j’en ai toujours besoin, je dois voir les gens.

Regardez-vous les gens ? Même les individus ?

Pas les individus, bien sûr que je vois les individus, mais surtout quand ils attirent l’attention, parce qu’ils filment et que la lampe clignote, ou parce qu’ils toussent ou parce qu’ils font je ne sais quoi. Mais j’ai besoin de ce contact. Je raconte déjà des histoires lors de mes récitals.

Comment avez-vous vécu le concert ?

Lors du concert d’hier, j’ai traversé plusieurs phases, car j’étais en fait très fatigué et je me suis traîné jusqu’à Amsterdam. Mais ensuite, je me suis réjoui de découvrir la salle, j’ai beaucoup aimé l’acoustique et la salle. Lors de la répétition pour le concert, tout s’est très bien passé, puis tout s’est très bien passé, je me suis dit « ah, ça marche », et puis le concert a commencé et j’ai eu de la mucosité dans la voix, mais énergétiquement, tout s’est très bien passé pendant la première partie. Pendant la deuxième partie, j’ai eu un coup de fatigue, parce que j’avais déjà donné plus de 100 % de moi-même. Je ne m’étais pas bien réparti mon énergie. Comme cela me plaisait beaucoup, je me suis donné à fond. Dans la deuxième partie, j’ai chanté à 70 ou 80 % de mes capacités, car je pensais que sinon, j’allais m’évanouir.

Étiez-vous si fatigué ?

Oui, j’avais vraiment la nausée après. Cela m’arrive souvent, j’aurais vraiment besoin de vacances. Chanter est fatigant, incroyablement fatigant pour moi.

C’est étrange ce que vous dites à propos du concert, car j’ai ressenti exactement le contraire. J’ai trouvé la première partie un peu agitée et j’ai beaucoup plus apprécié la seconde.

L’impression que l’on a soi-même du concert ne correspond pas forcément à celle des autres. Beaucoup de mes collègues me le confirment. Il arrive souvent que des airs d’opéra dont on se dit « là, j’étais vraiment fantastique » ne passent pas du tout. Souvent, les concerts où l’on se sent mal sont finalement meilleurs que ceux que l’on croit très bons. Il ne faut pas devenir arrogant, il faut toujours rester modeste et ne pas aller trop loin.

Cette remarque sur la modestie m’étonne, car vous n’êtes pas du tout une diva.

Non, mais je (hésite brièvement) … j’essaie vraiment de m’en souvenir. Je n’ai pas particulièrement de mal à prendre les choses plus à la légère. Mais je m’efforce déjà d’être sincère dans mon interprétation. Ce n’est pas si facile de ne pas se mentir à soi-même. Il y a des interprétations routinières, quand on a chanté une chanson très souvent. Mais j’essaie toujours d’être plus authentique. Comme un acteur, aussi authentique. Je dois être si authentique que les gens ne remarquent même plus que je chante une chanson.

Qu’ils soient tellement pris par l’histoire…

Oui, exactement. Ils doivent être tellement captivés que c’est comme dans une pièce de théâtre.

À l’opéra, vous avez souvent chanté des rôles travestis, mais vous le faites plutôt rarement dans les lieder. Barbara Bonney, par exemple, a simplement chanté « Dichterliebe ». Qu’en pensez-vous ?

Je fais maintenant aussi « Winterreise ». C’est mon projet pour 2014. [DdM 2026 : en raison d’une maladie, cela a été retardé de quelques années.]

C’est aussi un peu différent de « Dichterliebe », car ce n’est souvent pas explicitement spécifique au genre.

Helmut Deutsch en a encore parlé hier, car il veut m’accompagner. Je ne l’ai pas encore bien étudié, mais en fait, seules les quatre premières chansons traitent de questions spécifiques au genre. Ensuite, cela s’estompe de plus en plus, de sorte qu’on peut dire que cela pourrait aussi être un garçon. Au fond, le Voyage d’hiver traite de choses humaines, et les femmes ont exactement les mêmes sentiments, c’est pourquoi elles peuvent se sentir concernées. C’était tout à fait courant autrefois, en 1920 ou 1930, c’était tout à fait normal.

Après, beaucoup de choses ont changé.

Je ne sais pas ce qui s’est passé ensuite, je ne suis pas musicologue. Puis tout est devenu comme ça, et le récital est soudainement apparu. Avant, tout le monde chantait avec un pupitre, tout le monde, et il y avait même un quatuor entre les deux. Il y a des programmes où ils chantaient chaque jour un programme de récital différent. Bien sûr, cela n’est possible que si l’on chante avec une partition. C’était encore si vivant et intégré dans la vie. Et puis est arrivé ce sacré… ce truc du Messie. Tout le monde pense sérieusement avoir le monopole de la sagesse.

Est-ce que cela a commencé avec Dietrich Fischer-Dieskau ?

Ou même avant, je crois. C’est devenu une culture dans laquelle il y avait un dieu qui faisait tout correctement, la mesure de toutes choses. Fischer-Dieskau était également merveilleux, bien sûr, cette armée, bien sûr, tout était très bien pensé, et chaque mot était interprété. Je l’admire vraiment beaucoup, il ne faut surtout pas se méprendre. Et il n’était pas le seul, il y en avait aussi d’autres. Mais cette façon d’aborder les chants a certainement enlevé une partie de cette spontanéité. Maintenant, les femmes chantent aussi le Voyage d’hiver.

Revenons à votre voix : elle est toujours belle, quoi que vous fassiez. Cela doit être en grande partie lié à votre résonance, c’est-à-dire à la partie de votre voix qui est déterminée par vos gènes. D’un autre côté, Peter Schreier dit : « Il faut avoir le courage de produire aussi des sons disgracieux. » Qu’en pensez-vous ?

Oui, il a peut-être raison. Peu m’importe que ma voix soit belle ou laide. Je suis la dernière à vouloir avoir une belle voix. J’ai déjà sacrifié beaucoup de choses à l’opéra. Je dois simplement chanter juste, c’est-à-dire placer correctement ma voix. Sinon, j’ai mal à la voix, et j’essaie bien sûr d’éviter cela. Je peux aussi chuchoter ou souffler des notes et je travaille beaucoup avec la langue, y compris la prononciation. Mais je ne peux pas changer ma voix. J’enseigne depuis quatre ans dans des master classes et la plupart des jeunes chanteurs essaient toujours au début de produire une note. Ils veulent avoir une belle voix. C’était pareil pour moi. Au début, je chantais comme ça (elle produit un son soprano léger et enroué, comme une voix d’enfant) et au bout de six mois, je chantais comme ça (elle produit un son alto très grave). Samson et Dalila, « Mon cœur souffre à ta voix », et Carmen. C’était bien sûr une approche complètement erronée, mais ce n’est pas moi qui l’ai choisie, c’est mon professeur de l’époque. Mais j’ai toujours chanté des chansons. Au cours de mes études, je suis devenu Cherubino, car ma voix est devenue de plus en plus aiguë. Je dirais que c’est détendu et confortable.

C’est arrivé comme ça, vous ne l’avez pas choisi consciemment, mais…

Non, je parle de mon corps, de mes cavités de résonance et de mes cordes vocales, et la technique est fondamentalement toujours la même. Tous ceux qui chantent ont la position en haut, et la couleur vient d’en bas. Ce que les muscles en font et le son que produit cette voix ont aussi énormément à voir avec la personnalité. On peut chanter avec plus d’énergie ou se laisser aller. Si la voix a un son métallique, cela a beaucoup à voir avec la tension musculaire, qui dépend elle-même de l’état d’esprit.

J’ai souvent entendu dire que ma voix était belle. Eh bien, j’ai peut-être de la chance qu’elle soit belle, mais je trouve que ce n’est pas important. En tout cas, cela ne m’empêche pas de m’exprimer, de dire quelque chose. C’est un porte-voix à travers lequel les émotions passent et s’expriment. Et tout le monde fait cela avec sa voix.

Je suis convaincu que le message passe tout aussi bien lorsque la voix n’est pas aussi belle. J’ai par exemple écouté un Winterreise avec le vieux Patzak, où Jörg Demuss joue. Il était vieux, avec son accent viennois. Le vieil homme chante presque sans soutien, presque en parlant, mais c’est quelque chose qui me touche profondément. Je n’ai pas du tout besoin d’un beau chant. Je trouve que je dois parfois faire attention à moi-même. Hier, j’ai chanté avec plus de concentration, mais il y a aussi eu une période où j’ai parfois oublié de chanter. Je me suis dit que je devais quand même chanter, sinon cela ressemblerait à un récitatif de Schubert. Je suis alors allée trop loin dans l’autre sens. Il y a deux ans, j’ai donné un récital au Wiener Konzerthaus et j’ai chanté Brahms. Après cela, j’ai pensé que je devais simplement chanter davantage, car je ne suis pas actrice.

En fait, j’aimerais être actrice. Je préférerais de loin ne pas avoir à chanter, ha, ha, ha. La vie serait tellement plus facile, car cet effort physique… C’est mon moyen d’expression.

Cela me permet aussi de rester disciplinée. Si j’étais actrice, je me serais déjà laissée aller depuis longtemps. J’aime tellement la vie, mais quand on chante, il faut se contrôler, faire preuve de discipline, dormir suffisamment, ne pas trop boire et ne pas trop fumer. Un acteur peut parler même s’il a la voix enrouée. Cette discipline physique m’énerve parfois beaucoup. Mais bon… J’ai déjà chanté un Chevalier à la rose – je ne dirai pas quand ni où – pour lequel j’ai été dehors toute la nuit et je suis rentrée chez moi à huit heures du matin. Mais c’était il y a déjà plusieurs années. Je suis rentrée chez moi à huit heures, je me suis couchée et le spectacle a commencé à six heures. J’ai vraiment cru que j’allais mourir, et ça a été l’une de mes meilleures représentations.